Par où commencer lorsque vous créez vos premiers personnages ? Cette chek-list est valable pour vos futurs castings et tournages. Voici quelques étapes que vous pouvez suivre pour vous aider à préparer un rôle.
1 - Lisez attentivement le scénario pour comprendre votre personnage
En premier lieu, faites une lecture du scénario stylo en main. Il est essentiel de comprendre le personnage que vous allez incarner et l'histoire dans laquelle il évolue. Attention, parfois vous aurez assez peu d'éléments sur sa vie et son passé. Relevez donc attentivement chaque détail qui vous fournira une information utile. Lors de cette phase du travail, il est important de noter tout ce que vous comprendrez sur sa psychologie, ainsi que ses traits de caractère, s'il est empathique, agressif, anxieux. A partir de là, ayez déjà le réflexe d'imaginer un comportement inverse pour lui créer une ambivalence. S'il s'agit d'un individu dépressif, par exemple, il y aura forcément des aspects légers et joyeux dans sa vie. Votre premier travail consistera donc à avoir une réflexion autour de sa complexité.
Poursuivez ensuite votre lecture et notez les éléments importants qui font évoluer l'histoire. A quel moment démarre-t-elle vraiment et de quelle façon évolue-t-elle ? En principe, à mi-parcours, il y aura un basculement qui changera la trajectoire de votre personnage.
Si vous voulez maitriser facilement votre script, il est utile d'avoir des notions de scénario : ne serait-ce que connaître un ou deux ouvrages essentiels comme Story, de Robert McKee ou L'anatomie du scénario, de John Truby. Tout acteur qui souhaite se professionnaliser doit connaître le fonctionnement d'une structure de film ou de série. Gros avantage : vous saurez toute de suite détecter si l'histoire que vous avez entre les mains est bien construite.
Dans votre première lecture relevez les motivations, les émotions et les objectifs de votre personnage. Ensuite, essayez de vous mettre à sa place pour mieux le comprendre. C'est important d'avoir une vue d'ensemble de son objectif principal : c'est-à-dire, ce qu'il veut réellement obtenir dans le film.
Dans un second temps, focalisez-vous sur l'objectif de vos scènes - car à chacune d'entre elles, cet objectif change : rencontrer un autre personnage, séduire une femme, etc. Mais tout reste au service de l'objectif principal, c'est ce qui tiendra le spectateur en haleine pendant 1 heure 30 de film.
Si vous avez entre les mains un scénario de long-métrage : il est construit à partir d'une histoire principale et d'histoires secondaires. Vous devrez suivre la progression de votre personnage dans la quête de son but, mais également dans ses moments de vie (relations familiales, amoureuses, autres).
Même principe pour un scénario de court métrage : pour un film d'un quart d'heure, vous aurez un script d'une quinzaine de pages (on compte une minute par page). Ce format permet d'explorer une situation ; donc, à vous de cerner chacune de vos apparitions et d'accorder autant d'importance aux scènes dialoguées qu'à celles où vous vivez tout simplement (déambulation dans une ville, déplacements, etc... ).
Annotez vos dialogues en soulignant les actions qui sont importantes, les intentions à faire passer : cela vous aidera à les retenir plus facilement.
2 - Créez une backstory
Vous aurez une brève description de votre rôle dans le scénario ou la bible artistique (dans le cas d'une série). Si ce n'est pas suffisant pour construire un personnage complexe et original,
imaginez ce qui s'est passé dans sa vie avant le début de l'histoire. Quels événements l'ont conduit à être qui il est à ce moment-là ? Cette backstory vous aidera à donner de la profondeur, de la substance à votre personnage et à rendre votre Interprétation plus authentique.
Commencez toujours par identifier le milieu social de votre personnage : aisé ou modeste ? Que faisaient ses parents ? Quelle enfance a-t-il connu ? A ce stade, il est essentiel de cerner un événement important, dans un passé lointain, qui aura des conséquences sur sa vie future - donc sur ses actions. Il est fort possible que ce soit précisé dans le scénario, mais si vous ne disposez pas d'informations là-dessus, il faudra inventer de toutes pièces un incident déclencheur de votre personnage.
Mettez y de votre vécu et de votre personnalité. Les émotions sont universelles : divorce, deuil, perte d'argent ou, au contraire, un moment heureux de l'existence. Nous traversons tous les mêmes joies et les mêmes peines dans nos trajectoires. N'hésitez pas à y mettre de votre vécu. Même si le personnage est éloigné de vous, il y aura forcément des passerelles entre votre vie et la fiction. Ce travail est essentiel si vous voulez atteindre un certain degré de réalisme, j'en parle dans mon ebook Face à la caméra ou la vérité de l'instant.C'est à partir de là que vous éprouverez vos premières émotions.
3 - Faites des recherches
On vous proposera certainement des rôles qui nécessitent de se documenter, particulièrement si votre personnage vient d'un milieu dont vous ignorez tout : policier, médecin, avocat, travailleur précaire. Cela passe par des lectures ou des documentaires sur internet que vous trouverez facilement. C'est important de se plonger dans un univers éloigné du vôtre. Plus le rôle sera lourd et plus vous serez obligé de vous investir dans ce travail. Pour certains films, vous partirez en immersion totale dans un commissariat, un hôpital, au contact de professionnels que vous observerez de près. La recherche sera d'autant plus importante si le scénario est basé sur une personne réelle ou s'inspire d'un événement historique. Au cinéma, comme à la télévision, on tourne beaucoup de films d'époque et de biopics. Prenez dès maintenant l'habitude d'aller dans le souci du détail, afin d'apporter une base solide à votre interprétation.
4 - Travaillez votre voix et votre corps
Pensez à la façon dont votre personnage parle et se déplace. Vous pouvez utiliser des exercices de respiration, de diction pour vous aider à trouver la juste tonalité, ainsi qu'une présence physique. Commencez par des actions simples : les déplacements de votre scène. Si le personnage vient régler ses comptes pour une injustice commise à son encontre sur son lieu de travail, il aura une façon particulière de traverser de longs couloirs, de gravir un escalier avant la confrontation avec son patron. C'est le même principe pour une scène qui repose sur la lenteur, explorez différents rythmes, combinez-les.
Ne l'oubliez pas, une scène ne se limite pas à un échange de dialogues. La gestuelle et la présence physique sont essentielles. Le public sera toujours plus touché par un sourire ou l'intensité d'un regard que par des mots.
5 - Faites des essais et filmez-vous
Vous pouvez vous filmer à l'aide d'un smartphone : testez de brèves improvisations dans lesquelles vous passerez par différents états : colère, joie, tristesse, légèreté... toute une gamme de sentiments dont vous aurez besoin pour vos scènes. En regardant ces images, à la façon d'un documentaire sur la vie de votre personnage, vous sentirez ou non une justesse. Est-ce que vous vous fabriquez ou êtes-vous dans un réalisme ? C'est le seul critère important pour un acteur de cinéma : ne jamais jouer une situation mais la vivre.
Une fois que vous connaîtrez bien votre texte, vous pourrez refaire ce travail, seul ou avec un partenaire. Vous pouvez tester différentes façons d'aborder une scène; Démarrez toujours une prise aussi lentement que possible afin de faire passer chaque moment. N'ayez pas peur de la neutralité et des silences mais donnez l'énergie qu'il faut sur les répliques impactantes.
En prenant l'exemple d'une scène de conflit, ne soyez pas dans la logique du texte. Si vous avez un vif échange au sein d'un couple, ne restez pas sur une seule émotion comme la colère. Dans la vie, nous passons par différents états lors d'une crise : rires, moquerie, agacement, agressivité... c'est un cocktail détonnant. Rappelez vous d'un moment assez proche que vous avez vécu et connectez vous à votre réalité. N'oubliez jamais, on parle de personnage, mais c'est une personne que vous incarnez à l'écran.
Visionnez vos images immédiatement, vous serez confronté à tout ce qui est encore faux : gestuelle artificielle ou dialogues trop articulés. C'est un outil imparable pour améliorer votre scène. Tournez là à nouveau et ainsi de suite, jusqu'à obtenir des images justes. L'auto direction est une compétence à acquérir : avec de la pratique elle deviendra naturelle. Cela vous servira dans des tournages où vous serez peu dirigé ou seul, face à votre smartphone, pour une self-tape.
Au final, une proposition d'acteur
En tant qu'acteur, votre objectif n'est pas simplement de tourner une séquence mais d'aller au-delà du texte, d'offrir un moment de cinéma. Ce travail préparatoire vous permettra d'arriver, le jour du tournage, avec une proposition solide, ou même plusieurs. Le réalisateur aura toujours le dernier mot, mais une bonne proposition sera toujours la bienvenue pour un metteur en scène ouvert d'esprit. Bien entendu, il faudra vous adapter à ses directives, accepter aussi que votre proposition ne convienne pas. Malgré tout, gardez toujours à l'esprit que la créativité, sur un plateau, est une part importante de votre travail.
En étant parfaitement préparé, vous saurez vous adapter, dans l'urgence, à toutes sortes d'indications. Soyez ouvert à l'avis de l'équipe technique, à ce que pourrait dire un ingénieur du son sur votre voix, ou le directeur de la photo sur une façon d'habiter l'espace. Toute la difficulté du travail de l'acteur, au cinéma, est de garder son esprit créatif au milieu de contraintes techniques. Avec l'expérience, tout cela vous deviendra familier.
En suivant ces étapes, vous aborderez un rôle avec méthode et rigueur. Cela vous servira pour tous types de projets : courts-métrages, films, séries. Arriver sur un plateau avec une préparation solide est une clé de liberté. Votre rôle, vous pourrez l'interpréter dans la précision mais aussi improviser à la demande, si nécessaire. Dans tous les cas de figure, vous saurez rendre votre personnage complexe et humain.
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