Passer un casting est une étape essentielle pour tout acteur, mais elle peut également être semée d’embûches. Même un comédien talentueux peut voir ses chances compromises en tombant dans des pièges courants. Heureusement, ces erreurs sont évitables avec une bonne préparation et un peu de pratique. Voici les principaux obstacles à contourner.
1. Ne pas se préparer suffisamment
Une audition, c’est un peu comme un examen. Si vous arrivez sans avoir travaillé, vous partez avec un sérieux handicap. Prenons un exemple courant : un acteur reçoit une scène la veille et décide de s’appuyer uniquement sur son talent pour improviser. Résultat ? Il oublie une réplique importante, manque de précision dans ses intentions et donne une prestation inégale.
Comment éviter cela ? Préparez-vous en professionnel. Apprenez votre texte, analysez les intentions du personnage et visualisez comment vous pourriez jouer la scène. Si vous n’avez pas beaucoup de temps, concentrez-vous sur les éléments clés : les relations entre les personnages, l’objectif de votre personnage et le ton de la scène. Un acteur bien préparé montrera qu’il respecte le processus de casting et qu’il est capable de se dépasser pour un rôle.
Créer une biographie du personnage : la base
Pour donner vie à votre personnage, commencez par imaginer sa biographie, même si ce n’est pas explicitement mentionné dans le scénario. Cette étape vous permettra de le comprendre et de l’habiter émotionnellement.
Méthode pour créer une biographie :
Posez-vous des questions clés :
D’où vient votre personnage ? Quel est son passé ?
Quels sont ses rêves, ses peurs, ses failles ?
Quelles relations entretient-il avec les autres personnages ?
Focalisez-vous sur la faille du personnage
Chaque personnage a une faiblesse ou une blessure profonde qui guide ses actions (ex : une peur de l’abandon, une obsession du contrôle, un sentiment de culpabilité). Trouver cette faille vous permettra de jouer avec des sentiments sincères.
Passez par votre propre vécu
Identifiez une situation personnelle qui résonne avec la faille de votre personnage. Vous n’avez pas vécu exactement la même chose ? Pas grave : cherchez des émotions ou des souvenirs qui pourraient s’en rapprocher. Par exemple, si votre personnage lutte avec la perte d’un proche, connectez cela à un moment où vous avez ressenti un abandon ou une tristesse profonde.
Faites vivre la biographie
Écrivez-la ou racontez-la à voix haute pour l’incarner. Imaginez votre personnage en train de parler de son passé, comme dans une interview. Cela vous aidera à ancrer ses traits de caractère dans votre jeu.
Passez par vos émotions avant d’aborder le texte
Avant de vous plonger dans la scène, prenez un moment pour ressentir les émotions clés de votre personnage. Voici quelques techniques utiles :
Fermez les yeux et visualisez une situation où vous pourriez ressentir ce qu’il traverse (joie, peur, colère, tristesse).
Exprimez ces sentiments à voix haute, avec vos propres mots. Par exemple, si votre personnage est en colère, improvisez une tirade où il se plaint de ce qui le frustre. Cela vous mettra dans l’état émotionnel nécessaire.
Faites un découpage minutieux de la scène
Pour comprendre comment le personnage évolue dans la scène, analysez-la étape par étape :
Déterminez les objectifs du personnage
Que veut-il obtenir dans cette scène ? Qu’est-ce qui l’en empêche ?
Identifiez les transitions émotionnelles
Par quelles sentiments passe-t-il au cours de la scène ? Par exemple, commence-t-il frustré, puis devient-il vulnérable ou confiant ? Notez ces changements pour les jouer avec justesse.
Repérez les sous-textes
Derrière les mots, que pense ou ressent vraiment le personnage ? Les silences et les regards comptent autant que les répliques.
Filmez-vous pour évaluer votre jeu
Utilisez votre smartphone pour enregistrer vos répétitions. Cela vous aidera à :
Voir si vos émotions sont crédibles.
Repérer les moments où vous surjouez ou manquez d’intensité.
Affiner vos transitions émotionnelles pour qu’elles paraissent naturelles.
Astuce : vous pouvez également improviser la biographie à l’oral devant votre smartphone. Cela rendra votre personnage plus vivant, avec vos mots, votre voix et vos sentiments. Ce type de travail donne une texture authentique à votre jeu.
Recherchez des sources d’inspiration
Enfin, si le personnage vous semble difficile à saisir ou éloigné de vous, allez chercher des inspirations externes :
Regardez des documentaires ou des témoignages sur des personnes similaires au personnage.
Étudiez les détails : leur posture, leur façon de parler, leurs expressions. Ces petits éléments peuvent enrichir votre interprétation.
2. Ne pas écouter les indications : une qualité sous-estimée
Un casting n’est pas seulement un test de votre talent brut, mais aussi de votre capacité à travailler en collaboration avec une équipe. Imaginez un recruteur vous demandant d’adoucir une réplique, mais que vous répétiez exactement ce que vous avez fait précédemment. Cela donne l’impression d’un manque de souplesse, voire d’inattention. C’est une erreur fréquente, souvent liée au stress ou à une interprétation trop figée du rôle.
Pourquoi écouter les indications est essentiel
Cela démontre votre flexibilité : sur un plateau, un réalisateur vous demandera souvent de modifier votre jeu en fonction de ses besoins ou de l’évolution du projet. Être capable de répondre rapidement à des indications montre que vous êtes un acteur adaptable, un atout majeur pour n’importe quelle production.
Cela révèle votre attention aux détails : lorsque vous écoutez attentivement, vous captez des nuances qui peuvent transformer votre interprétation.
Cela met en valeur votre sens de la collaboration : le métier d’acteur est un travail d’équipe. Montrer que vous êtes à l’écoute, et non fermé à vos propres idées, donne envie de travailler avec vous.
Prenez le temps d’assimiler la demande
Lorsque vous recevez une indication, ne vous précipitez pas pour rejouer immédiatement. Prenez 5 à 10 secondes pour réfléchir :
Quelle est la direction donnée ? Par exemple : « plus léger », « plus vulnérable », « plus énergique ».
Quels ajustements concrets cela implique-t-il ? Travaillez sur votre posture, votre ton de voix ou votre rythme.
Faites preuve d’empathie envers le personnage
Demandez-vous : « Pourquoi mon personnage réagirait-il différemment dans ce contexte ? » Cette réflexion rapide vous aidera à intégrer l’indication avec sincérité.
Jouez sincèrement, même après un ajustement
Ne vous contentez pas de « jouer la consigne » mécaniquement. Imprégnez-vous de la nouvelle direction comme si elle faisait partie de votre première vision du personnage. Cela rendra votre jeu naturel et crédible.
Entraînez-vous à répondre aux indications
Avant une audition, répétez votre scène avec un partenaire ou un coach. Demandez-leur de vous donner des indications variées pour simuler les conditions d’un véritable casting. Cela développera votre capacité à vous adapter sur-le-champ.
Acceptez de sortir de votre zone de confort
Si une indication vous semble contre-intuitive ou éloignée de votre vision initiale du personnage, essayez-la quand même. Parfois, ces ajustements inattendus révèlent des facettes insoupçonnées de votre jeu.
Soyez ouvert, soyez créatif
Ne pas écouter les indications, ou pire, ne pas les appliquer correctement peut coûter un rôle, même si votre performance initiale était excellente. Les directeurs de casting recherchent des acteurs capables d’incarner un personnage tout en étant réactifs. La clé ? Prenez le temps de réfléchir, ajustez votre jeu avec sincérité, et montrez que vous êtes prêt à collaborer. C’est cette attitude qui vous fera sortir du lot.
3. Manquer de diversité dans le jeu : le piège de la monotonie
Un casting est une chance de prouver que vous êtes capable de naviguer dans une gamme émotionnelle riche et nuancée. Pourtant, de nombreux acteurs tombent dans le piège de la monotonie en se limitant à une seule tonalité tout au long de leur scène. Cela donne une interprétation figée qui peut rapidement lasser un directeur de casting, même si l’émotion choisie est exécutée correctement.
Pourquoi la monotonie est un piège ?
Elle limite votre crédibilité : dans la vie, nos sentiments fluctuent constamment, même dans les situations les plus variées. Jouer une scène de manière monotone ne reflète pas cette complexité et peut sembler artificiel.
Elle masque la profondeur du personnage : chaque personnage a des réactions multidimensionnelles face à une situation. Par exemple, une rupture amoureuse peut commencer par de l’incrédulité, évoluer en colère, et finir dans la douleur ou la résignation. Si vous ne montrez qu’une seule facette, le personnage paraît simpliste et peu intéressant.
Elle envoie un mauvais message : rester dans un registre unique peut laisser penser au directeur de casting que votre palette d’acteur est limitée, ce qui est particulièrement rédhibitoire pour des rôles complexes.
Analysez les émotions du personnage dans la scène
Prenez le temps de décortiquer le texte pour identifier les différentes étapes émotionnelles que traverse le personnage :
Que ressent-il au début ? (ex. : surprise, méfiance).
Qu’est-ce qui change en cours de scène ? (ex. : la révélation d’un secret, une trahison).
Comment finit-il ? (ex. : résignation, détermination).
Astuce : Notez ces transitions sur une feuille ou un tableau pour avoir une vue d’ensemble claire.
Explorez les nuances de chaque émotion
Une émotion n’est jamais monolithique. Par exemple :
La colère peut être explosive, contenue, sarcastique ou même teintée de tristesse.
La tristesse peut se manifester par des larmes, une froideur distante, ou un sourire douloureux.
Pour chaque étape de la scène, demandez-vous : « Comment puis-je rendre cette émotion unique et nuancée ? »
Expérimentez en répétition
Ne vous contentez pas de jouer la scène une seule fois de la manière qui vous semble évidente. Répétez-la à plusieurs reprises en explorant différentes variations :
Une version où votre personnage est plus vulnérable.
Une version où il essaie de cacher ses émotions.
Une version plus explosive ou contrôlée.
En explorant ces options, vous enrichirez votre jeu et pourrez choisir les options les plus convaincantes pour le casting.
Jouez sur les silences et le non-verbal
La diversité dans le jeu ne se limite pas à la manière de dire vos répliques. Le langage corporel, les regards et les silences peuvent apporter une profondeur supplémentaire. Par exemple : dans une scène de rupture, un silence lourd ou un regard fuyant peut en dire plus qu’une tirade dramatique.
Astuce pratique : le jeu des trois émotions
Lors de votre préparation, identifiez au moins trois émotions clés dans la scène. Par exemple :
Scène de rupture amoureuse :
Incrédulité : « Comment est-ce possible ? Ce n’est pas réel. »
Douleur : « Pourquoi ça arrive à moi ? »
Acceptation : « Je dois l’accepter et avancer. »
Cherchez des façons de les exprimer différemment :
L’incrédulité peut se manifester par un sourire nerveux ou un regard perdu.
La douleur peut être intérieure, avec des pauses dans la voix, ou plus extériorisée, avec des gestes brusques.
L’acceptation peut se traduire par une posture plus droite, un soupir ou un ton résolu.
Comment enrichir votre palette d’acteur ?
Observez la vie réelle : regardez comment les gens expriment leur ressenti. Par exemple, deux personnes en colère peuvent réagir très différemment : l’une criera, tandis que l’autre deviendra glaciale.
Inspirez-vous d’autres acteurs : étudiez les performances d’acteurs que vous admirez dans de grandes scènes. Analysez comment ils passent d’une émotion à une autre.
Apprenez à jouer contre-intuitif : parfois, le contraste rend une scène plus captivante. Par exemple, jouer une rupture avec un calme apparent peut être bien plus poignant qu’une explosion dramatique.
Jouez en technicolor
Un casting est l’occasion de montrer que vous êtes capable de peindre un personnage avec une palette émotionnelle riche, plutôt que de rester coincé dans des tons monochromes. En explorant les transitions et le non-verbal, vous donnez de la vie et de la complexité à votre performance, ce qui est exactement ce que recherchent les directeurs de casting.
4. Parler trop rapidement : le stress en action
Lorsqu’un acteur débite son texte à toute vitesse, il transmet inconsciemment plusieurs messages : le stress, un manque de confiance ou une peur de l’ennui. Cette précipitation peut ruiner une scène en supprimant les nuances, les émotions et même la compréhension. Parler rapidement donne l’impression que l’acteur veut « en finir au plus vite », ce qui est loin d’être l’attitude recherchée dans un casting.
Pourquoi ce problème est fréquent ?
Le stress : être devant un directeur de casting peut déclencher une montée d’adrénaline qui pousse à accélérer son débit, comme si cela permettait de « raccourcir » l’épreuve.
Le manque de maîtrise du texte : lorsque le texte n’est pas totalement intégré, l’acteur peut se précipiter pour éviter d’être pris au dépourvu.
La peur du silence : beaucoup d’acteurs craignent que des pauses prolongées soient perçues comme un manque d’assurance ou d’intensité, alors qu’en réalité, les silences peuvent enrichir une performance.
Pourquoi le rythme est essentiel ?
Un rythme bien maîtrisé permet de :
Donner du poids aux mots : chaque réplique devient une réflexion, un choix, plutôt qu’un enchaînement mécanique.
Créer des nuances émotionnelles : une phrase rapide peut exprimer l’urgence, mais une phrase lente et posée peut transmettre la gravité ou l’hésitation.
Laisser de la place à l’auditoire : les silences donnent au spectateur ou au jury le temps de digérer les mots et de ressentir l’émotion.
Travaillez les silences
Les silences sont des moments de jeu autant que les répliques :
Donnez du sens à vos pauses : utilisez-les pour montrer ce que pense ou ressent le personnage. Par exemple, une pause peut exprimer un doute, une hésitation ou un moment d’introspection.
Marquez les transitions émotionnelles : entre deux phrases importantes, laissez un silence pour que le public perçoive le changement d’état du personnage.
Respirez !
Avant et pendant la scène, prenez le temps de respirer profondément. Une respiration lente et régulière vous aide à calmer votre rythme et à maintenir une diction claire.
Utilisez votre souffle pour accompagner vos émotions. Par exemple, un soupir ou une inspiration peut renforcer une réplique sans précipiter le texte.
Écoutez vos partenaires
Si vous jouez avec un partenaire, accordez une attention particulière à son rythme. Trop souvent, les acteurs récitent leur texte sans réellement écouter. Adaptez votre tempo à celui de la scène et de votre partenaire pour créer une dynamique naturelle.
Entraînez-vous avec des lectures lentes
Prenez un texte et lisez-le délibérément plus lentement que d’habitude. Accentuez chaque mot important et marquez de longs silences après les phrases clés.
Cela vous aidera à ressentir l’importance des pauses et à trouver un équilibre entre rythme et intensité.
Maîtriser le temps, c’est maîtriser l’émotion
Un acteur qui parle trop rapidement risque de transmettre une image de stress ou d’incompréhension de son personnage. En travaillant votre rythme, en prenant le temps de respirer et d’utiliser les silences, vous donnerez une profondeur nouvelle à votre jeu. Le directeur de casting ne jugera pas seulement vos répliques, mais aussi la manière dont vous incarnez les moments entre celles-ci.
5. Surjouer : l’intensité mal maîtrisée
Surjouer est une erreur fréquente, surtout chez les acteurs débutants qui souhaitent montrer toute l’étendue de leur intensité émotionnelle. Malheureusement, cela peut rapidement nuire à votre crédibilité, car l’émotion semble artificielle, voire caricaturale.
Pourquoi surjouer pose problème ?
Cela brise l’authenticité : un jeu forcé crée une distance entre le spectateur et le personnage. Au lieu d’être touché par l’émotion, le public remarque que vous « jouez ».
C’est un manque de subtilité : la surenchère occulte les variations qui rendent un personnage intéressant. Crier ou pleurer à chaque réplique peut transformer un moment fort en scène fatigante.
Une mauvaise lecture du personnage : si chaque émotion est jouée à 100 %, le personnage perd sa vérité. La vie est faite de contrastes, et les grands moments émotionnels ont d’autant plus d’impact s’ils sont entourés de calme ou de retenue.
Focalisez-vous sur l’authenticité
Posez-vous cette question : « Comment réagirais-je dans cette situation ? »
Inspirez-vous de moments réels de votre vie où vous avez ressenti une émotion similaire. Les réactions naturelles sont souvent plus subtiles que ce qu’on imagine.
Adoptez la règle du « moins, c’est plus »
Lorsque vous doutez de l’intensité nécessaire, commencez avec une interprétation sobre. Un jeu retenu est souvent plus convaincant qu’un coup d'éclat. Vous pourrez toujours intensifier si le directeur de casting le demande.
Travaillez les contrastes
Les émotions intenses doivent être précédées ou suivies de moments de calme ou de silence. Ces contrastes rendent les scènes plus dynamiques et les réactions fortes plus crédibles.
Utilisez votre corps et votre voix subtilement
Au lieu de crier ou de gesticuler, exprimez-vous par des changements dans votre posture, votre respiration ou votre regard.
La vérité avant tout
Un directeur de casting ne cherche pas la performance la plus bruyante ou exagérée, mais celle qui incarne la vérité du personnage. En travaillant sur les contrastes et l’authenticité, vous montrerez que vous comprenez le rôle et savez le rendre vivant.
Trouver l’équilibre entre intensité et authenticité est un défi, surtout dans le cadre d’une audition où chaque seconde compte. La clé est de comprendre les nuances du personnage et de les exprimer avec vérité, tout en restant ouvert aux indications.
Si ces conseils résonnent avec vos expériences, vous trouverez dans mon guide Castings & Self-Tapes : réussir vos auditions pour le cinéma et la TV des outils pratiques pour perfectionner votre préparation.
Ce guide vous aide à :
Préparer vos scènes avec profondeur et subtilité.
Éviter les erreurs courantes.
Adopter des techniques concrètes pour convaincre les directeurs de casting.
Disponible en PDF jusqu’au 29 novembre
(la nouvelle édition, numérique et livre broché sera en vente à partir de la fin décembre)
Transformez vos erreurs en opportunités
Les erreurs sont inévitables en casting, mais elles ne doivent pas définir votre parcours. Avec une préparation solide, une écoute attentive et une flexibilité dans votre jeu, vous pouvez transformer ces obstacles en tremplins pour votre succès. Chaque audition est une chance d’apprendre, de grandir et de démontrer votre professionnalisme. Alors, entraînez-vous, préparez-vous, et donnez le meilleur de vous-même à chaque rendez-vous. Le prochain rôle pourrait être le vôtre.
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